TEXTOS

Música en La Última Cena

2007-11-10T03:52:00.000-08:00

ROMA (AP) - Un músico y técnico de computadoras italiano dice haber descubierto notas musicales codificadas en "La última cena" de Leonardo Da Vinci, lo cual indicaría que el genio renacentista podría haber dejado una obra musical de tono sombrío que acompañaría a su mural del siglo XVI.

"Parece un réquiem", dijo Giovanni María Pala. "Es como una pista musical que enfatiza la pasión de Jesús".
Pintada entre 1494 y 1498 en la iglesia de Santa María de la Gracia, en Milán, la obra muestra un momento determinante en el Evangelio, la última cena de Jesús con los 12 apóstoles antes de su arresto y crucifixión, presentando de una manera viva la reacción de los seguidores de Cristo cuando se enteran que uno de ellos lo traicionará.
Pala, músico de 45 años que vive cerca de la ciudad sureña de Lecce, empezó a estudiar la obra de Leonardo en el 2003, luego de escuchar en un noticiero que investigadores consideraban que el artista e inventor ocultó una obra musical en su pintura.

Cómo interpretar la obra. En un libro presentado ayer en Italia, Pala explica cómo interpretó los elementos de la pintura que tienen un valor simbólico en la teología cristiana.
Primero se dio cuenta de que dibujando un pentagrama en la pintura, tanto las hogazas de pan en la mesa como las manos de Jesús y de los apóstoles podrían representar notas musicales.
Ello concuerda con la relación simbólica cristiana entre el pan, que representa el cuerpo de Cristo, y las manos, que se usan para bendecir los alimentos. Pero las notas no tenían sentido musical hasta que Pala advirtio que debían de ser leídas de derecha a izquierda, siguiendo el particular estilo de escritura de Leonardo.

(Fuente: La Nación / 10 de noviembre de 2007)

Christine Peterson

2007-10-26T16:17:00.000-07:00

Fragmento de una entrevista de Brian Sherwin a Christine Peterson.

BS: Can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?
CP: I carry a sketchbook with me constantly and usually begin in there to create small compositions. I am inspired by the most minuscule things. Situations around me, a line in a book or the glimpse of beauty will ignite something within me to let me know that "its time." Once I decide exactly where I want the idea to go, I will begin working on a piece. More often than not, I have no idea what the end result will look like. I have a basic idea, but the final piece is usually completely different from what I intended.I will usually get to a point within a piece where I am completely frustrated and will be dumbfounded as far as where to go. It can be extremely discouraging, but I know that eventually the piece will just speak to me and tell me where I need to go.I am not sure how I know when a piece is complete. Some pieces never seem done; I will constantly question if I could work something out more. With others, I will get to a point where I step back and just know its finished.

BS: Christine, how does current world events influence your work? In other words, how does contemporary life impact your creative practice?
CP: I feel contemporary life impacts my work because I deal so much with human interaction. In so many ways, we are moving farther and farther from one another. We send emails instead of speaking, we text someone before we will pick up the phone and call. It seems as though everyone wants to be heard, but no one is willing to listen. We are all standing side by side but just out of each others reach.

BS: With that said, tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?
CP: My work has always been a way for me to speak when I feel I don't have the words. Anytime I feel that something needs to be said, I somehow find a way to express it through my art.

(Fuente: My Art Space - Blog)

Códice de Dresde

2007-10-23T03:15:00.000-07:00

CIUDAD DE GUATEMALA, (dpa).- Guatemala recibió oficialmente de manos de Alemania, una réplica del Códice de Dresde, uno de los cuatro manuscritos que hacen referencia a la cultura maya, informaron fuentes oficiales. La entrega se cumplió en el Museo de Arqueología y Etnología, en la Ciudad de Guatemala, en presencia del vicepresidente guatemalteco Eduardo Stein. El alto funcionario guatemalteco recibió la obra de manos del príncipe Alexander de Sajonia, de Alemania. La réplica fue enviada a Guatemala en septiembre de parte del director general de la Biblioteca de Sajonia, Thomas Bürger, tras gestiones realizadas por Stein durante una visita a Alemania en 2006. El Códice de Dresde, originario de Yucatán, mide tres metros de largo desplegado, data de 1250, y es probablemente el más antiguo de los cuatro documentos de este tipo que se salvaron de la destrucción tras la colonización española. Los otros tres se encuentran en la Biblioteca Nacional de París, en el Museo de América de Madrid y en Ciudad de México. Alemania y Guatemala tienen previsto gestionar ante la UNESCO que esos cuatro Códices sean declarados Patrimonio Cultural de la Humanidad.

A lo que un lector del diario aporta este comentario:
Un documento de semejante valor estará mas seguro en un museo de Alemania sin desmerecer a los guatemaltecos. Veamos lo que pasa en museos Argentinos, se pierden dinosaurios obras de arte, etc... déjenlos en un lugar seguro. Quizás algún día cuando esta América sea más segura puedan volver. Escuchamos reclamos al museo británico hasta en los Simpsons pero en la época en que Napoleón, (piedra roseta) y los ingleses rescataban obras de arte, los Mamelucos practicaban tiro al blanco con la nariz de la Esfinge. Y antes hicieron cal con el recubrimiento de Keops. La destrucción de todo lo maya en la conquista fue por motivos religiosos, no se si no hubiera hecho lo mismo yo, si delante mío arrancan un corazón de un niño y me lo entregan latiendo, eso, por mas rito religión etc. no lo aceptamos. Aceptamos que un fanático se lleve al cielo lleno de vírgenes a nuestros seres queridos en un atentado suicida, ¿que haríamos con sus documentos religión y creencias?, y culturalmente, algunos de nosotros, todavía somos capaces de envolver un salame con un Rembrant.

(Fuente: La Nación, Buenos Aires, martes 23 de uctubre de 2007)

Carnadas

2007-09-12T14:27:00.000-07:00

(...) Te digo que este tema de internet y sus caprichos, son como puertas que se van abriendo a medida que las vas explorando. Tocás una frase subrayada y se abre otra página, consecuente, permanentemente. Todos son links y, cuanto haya subrayado o de otro color en un texto, es el salto a otra cosa relacionada...

Podés volver si querés, pero la mente humana tiene un dispositivo juguetón llamado curiosidad, que es el que no permite tantos regresos sino seguir husmeando. Y es mi tremenda obsesión; no logro escapar de ella. Cada mañana me doy casi dos horas de viajes ansiosos por el mundo de las cosas que ese día me interesen y paro porque me autoimpongo que a las 08:30 tengo que comenzar a laburar seriamente en lo que esté haciendo, si no, seguiría hasta la noche con los dolores de espaldas sumados por la estancada del cuerpo: mientras estás boludeando en la red, el cuerpo está quieto, sin movimientos, porque todo lo móvil ocurre entre los ojos, tu índice y la teclita del mouse.
Luego, vuelvo a mi mundo propio con los pinceles para seguir haciendo de las mías, con la que mejor bailo, que es la loca de los colores: la paleta. Aunque atento al juguete visual, siempre encendido.

Dejo sembrado en la pantalla el tema que pueda interesar; porque mientras uno la sigue
trabajando según placeres o requerimientos, esas imágenes que hicimos no están abandonadas tan solo dentro de un marco o durmiendo en una galería, están laburando en el cybermundo a la pesca de interesados.

(...)

Hay quienes se han apoderado de mis imágenes de la red para ilustrar páginas ¡en Polonia y hasta en China! ¿Qué me importa si para cada imagen mencionan mi nombre? Sirve de publicidad... No me pagan royalties ¡jhá! Pero sirve.

Me quedó grabado el ejemplo que dio uno de los activos de Google Argentina, en la jornada de Dattatec, a la que asistí el 30 de agosto en la Sala Picasso del complejo La Plaza (BA)
El ejemplo que ellos dan es el de un cazador y un pescador. El cazador dispara a la bandada allá en el cielo y uno de los pajarracos, cae. El pato la ligó sin quererla. En cambio el pez, va hacia la carnada y muerde el anzuelo. Internet es generar la carnada suficiente para nuestro anzuelo (digamos, el arte que profesamos).

(...)

Pienso que los artistas paisajistas deberían agregar algo más de carnada a lo propio, hotkeys como: tren, trenes, cielo, nubes, campo, campestre, ombú, arco iris, carruaje, gaucho, china, madre, pampa, trigales, etcétera, etcétera, porque cada elemento que hayan pintado puede ser esa carnada.
Imagináte un tipo que está en Marruecos, Estonia, Malawi o Bégica buscando carruajes antiguos y sus “hotkeys” se ligan con la palabra carruajes donde aparece la página del paisajista, tu caso, circunstancialmente, ese tipo abre esa página y ve tus laburos. Mira y sigue. Mira y se queda. Mira y no da bola, o mira y comenta a otros. ¿Qué pasa si se da la casualidad de que es un anticuarista o un coleccionista, a la vez amante de los paisajes o del impresionismo o de las pampas? Acontece entonces un pascual que olfateó la rica carnada y se pone en contacto con el autor.

Suena a casualidad y así es, más a no dudar: estas cosas funcionan.

(...)

(Fragmentos de una carta a un amigo y colega pintor, en este día de lluvia en Buenos Aires)

Vestuario hostil

2007-09-10T05:33:00.000-07:00

Al llegar a un hotel de más de tres estrellas en esta ciudad caliginosa y húmeda (Buenos Aires) me inquieta que el personal de puerta esté elegante, uniformado en línea exquisita, sufriendo las variaciones climáticas sin un vestuario acorde. Se les ve ágil al servicio del huésped aunque empapados, traspirosos. Es como llegar al Tahaa' hotel (en Motu Tautau), o al Insotel en playa Tarida (Ibiza) y que nos recepcionen de sobretodo de paño...
Al ver que en verano (hoteles de primer nivel aún sin toldo de refresco y bivalente) se tiene a esta gente joven en contrapunto con el clima, pienso en la incapacidad de los diseñadores del vestuario que, de ser más honestos con su profesión, imagino, plantearían al cliente tal criterio solucionando algo tan sencillo (¿alguien dijo humano?) como esto.
En la época veraniega de las costas de Mar del Plata, he visto doormen con ¡capa doble a la inglesa, y con galera! Tremendas temperaturas veraniegas y ellos vestidos para el Park Inn Pribaltiyskaya de la Isla Vasilyevsky. ¡Jhá! ¿Es necesario acaso tener a esta gente vestida con la capa de Skywalker cuando departe con el siniestro canciller Palpatine en el mundo de los jedis? Falta que para el invierno les diseñaran bermudas cosa que el calidoscopio de la sinrazón quedara completo.
Por ahí salta alguno diciendo "el cliente nos pide que así sea" o "la cadena hotelera tiene un estilo que no acepta cambios de adaptación". Entonces, amigos míos, la cosa es anómala pues radica en un capricho sin análisis.
Ya que estamos ¿se le ocurrirá a alguien, para los días de 36° el uso del jubón…?

Schnabel

2007-08-05T04:51:00.000-07:00

Figuras escondidas...

2007-07-26T04:26:00.000-07:00

Pesci Slavisa, dice que el cuadro "La Última Cena" incluye, entre otras, las figuras escondidas de un templario y la Virgen María. Presentó sus hipótesis hoy en una conferencia de prensa en Milán. Un asesor cultural de esa ciudad las calificó de "pura invención".
Pesci Slavisa, un informático italiano de 36 años, asegura haber descubierto imágenes ocultas dentro del cuadro "La última cena", de Leonardo Da Vinci. Esta obra ha sido en los últimos años objeto de numerosas hipótesis y teorías, sobre todo a partir de la novela "El código Da Vinci", de Dan Brown.Según Slavisa, en la pintura aparecen varias figuras, entre las cuales se distinguen un templario y la Virgen María. El investigador explicó hoy, en una conferencia de prensa realizada en Milán, que realizó el siguiente procedimiento: escaneó el cuadro, lo imprimió en un papel translúcido, después lo colocó sobre el original y así descubrió "un nuevo dibujo con otras imágenes".
Por su parte, Vittorio Sgarbi –crítico de arte y asesor cultural de Milán– calificó las afirmaciones de Slavisa como "pura invención". Sgarbi enfatizó que "es imposible" que haya en el famoso cuadro de Leonardo "dibujos de personas distintas a las que se ven". Sin embargo, el informático señaló que existe "una coincidencia de puntos que creo que no puede ser el fruto de una casualidad, sino un cálculo preciso de Leonardo". Y agregó que no sabe explicar cuál puede ser el significado de este nuevo dibujo, ya que ésa es tarea de "los críticos e historiadores del arte".
"Leonardo se divertía escondiendo otras imágenes en sus dibujos", agregó el investigador, quien aclaró no ser un fanático ni de Dan Brown ni de Da Vinci.
(Fuente: EFE)

Giger: retrospectiva

2007-07-22T05:05:00.000-07:00

Me gusta mucho lo que hace el tipo; aprecio su exquisitez creativa: http://www.swissinfo.org/spa/swissinfo.html?siteSect=105&sid=8028738

2007-06-30T05:34:00.001-07:00

"Si es imposible, puedes hacerlo"
Giacometti

Gaia

2007-04-09T14:47:00.000-07:00

Treinta años atrás, el científico James Lovelock estableció que la Tierra tenía un sistema de control en la escala planetaria, que mantenía el ambiente ajustado para la vida. Lo llamó Gaia y la teoría científica fue ampliamente aceptada. Considera que el abuso humano del medio ambiente está haciendo que el mecanismo actúe en contra de nosotros. Su conclusión, que el cambio climático está todavía insoluble y que la vida en el planeta no volverá a ser la misma. El mundo ha pasado el punto de no retorno para el cambio climático, y la civilización como la conocemos está en estos dudosos momentos de sobrevivir (según lo manifiesta el gurú verde que concibió la idea de Gaia) En un pensamiento pesimista publicado en el Independiente, el profesor Lovelock sugiere que los esfuerzos por ir en contra del calentamiento global no serán exitosos, porque es demasiado tarde.

http://news.independent.co.uk/environment/article338878.ece
James Lovelock's website: http://www.ecolo.org/lovelock/

¿Miedo, a qué?

2007-04-02T12:53:00.001-07:00

Es bastante común que se hable del temor que provoca la tela en blanco al que se posicione ante el caballete; que es una sensación extraña, de duda a lo que se hará en ese espacio. Es mentira. Todos sabemos, aunque sea en la parte más dubitativa de nuestro comportamiento, de qué es lo que habremos de representar en esa superficie plana, blanduzca y lisa. La farsa del temor acontecería, supongo, a aquellos quienes, desconociendo plenamente de qué trata expresarse, enfrentan por primera vez una tela. Digo: por primera vez. Más, y dudo equivocarme a aquellos que ya han enchastrado una, al decir eso del temor, subestiman al interlocutor. ¿Para qué minimizar al otro? Acepto la casualidad de la duda porque sí, esta acontece de modo primigenio más no dura demasiado, jamás pasa de tres parpadeos para que la mano ejecute la primera impresión sobre la superficie de la tela. Ahí va la carbonilla dejando marcas caprichosas que dan vida a las imágenes más simples, plenas o retorcidas, ensortijadas, de las que se pueda decir algo. Si a pincel directo la mota, el color, la seguidilla de trazos... Cada cuál con su expresión, cada uno dentro del contexto de sus propios pensamientos. Matisse decía a sus alumnos aquello de “cortarse la lengua para expresarse con la pintura” y en el acto de hacer algo representativo, como lo que digo, no hay voz. El pensamiento puro de cada uno está metido en ese momento en el espacio, en la famosa bidimensionalidad que ayuda a recrear formas tridimensionales o las más abstractas, planas, escuetas, carentes de imagen reconocida, sin por esto dejar de ser la expresión humana, el léxico informal de los caprichos de la memoria y sus expresiones. Todo tiene valía como expresión. No hay qué o quien pueda truncar, censurar, invalidar tales demostraciones porque cada una es un momento, un grafismo, una soltura propia. ¿Artístico? He visto trabajos primorosos, de una calidad artística (superior a la mediocridad de sus autores) capaces de superar limpiamente a los más destacados artistas enceguecidos por las luces del éxito. Nada incoherente sabiendo como se deshonran los autores al conocer el éxito, quedándose en algo que no les satisface, por el solo hecho de mantener la compostura de las formalidades que los han llevado a tal ubicación en el podio. Se trata de la mera supervivencia, ya no es una cuestión artística. En cambio el otro (como no tiene nada que perder pues no depende) se expresa absolutamente liberado… He visto, recientemente, el trabajo de una muchachita que me recordó a los fauves con sus colores y pinceladas de expresión irrefrenable. Esa pintura, realizada por una autora de apenas unos doce o quince años, ponía a la vista una composición no solo equilibrada sino acentuada por los colores rojos en la media inferior y amarillos profusos en el área superior, con azules y verdes a los bordes, ajustando el sujeto plástico de un modo como aprendido, cuando jamás fuera su intención ser una artista. La mera diversión fue la que dejó aquella obra a los ojos de quienes supiéramos verla y aprovecharla. ¿Miedo a la tela en blanco? ¿Quién le teme a eso?

(Fragmento de conceptos vertidos -la apertura- durante la mesa redonda del Encuentro de Pintores en la sala de la Dirección de Cultura de Pergamino - 31 de marzo de 2007)

Algo inesperado

2007-04-02T12:53:00.000-07:00

El 31 de marzo (2007) a las 19, en el predio de la Casa de la Cultura de Pergamino, se dio apertura a la muestra de las pinturas realizadas durante el Encuentro Rancagua del que es mentor el pintor Ricardo Juárez. Los invitados para la mesa redonda fueron ocho, pero nos hicimos presentes solo cuatro: Alberto Arregui, Élida Bonet, Carlos Vera y yo.
Desconozco la cantidad de participantes (alrededor de 120) más público, pero fue una grata multitud vista desde el escenario. Primero se mostró un audiovisual de las actividades desarrolladas a fines de 2006, que dieran vida a las pinturas mostradas en esta oportunidad. A las 20, se dio apertura a la charla y los cuatro desarrollamos un evento que satisfizo tanto a nosotros como a los que participaron de las preguntas y cambios de opiniones respecto a la pintura, a las obras, a las razones de nuestra tarea, la vida de artista, las dificultades y necesidades, los pro y los contra y el arte (históricamente) de tantos. Tras la reunión avalada por la Dirección de Cultura local había un ágape especial en el taller del organizador a la que no asistí por retirarme antes (mi boleto era para las 23) en aquella octava noche de tormenta. Quedaron los demás hasta que Arregui y Bonet fueron por el colectivo hacia las 03:00 del domingo. Aquí, el suceso inesperado. Élida, sentada en el sillón de espera tuvo un paro cardíaco y falleció del modo más sencillo, lo que obviamente zarandeó el regreso del profesor Arregui quien debió llamar a la gente local para dar solución a este tema. Hoy, lunes 2 de abril, mientras el país recuerda el bochorno de la Guerra de Malvinas, están velando a Élida, una mujer que pintó e hizo piezas en plata (de autor) en París, New York e Ibiza…

Economía & Cultura

2007-03-06T03:47:00.000-08:00

Creo que el tango sin duda es nuestro. Pero esta difusión masiva está expresando sentimientos sobre cuestiones esenciales a la condición humana, como el paso del tiempo, el amor perdido, la distancia, la muerte. Y los expresa desde la perspectiva idiosincrática argentina y del Río de la Plata. Pero la situación del tango también es sintomática de uno de nuestros problemas históricos, porque tanto la primera aceptación como el actual rebrote del tango en el país vinieron por un reconocimiento de afuera. Es como si nosotros necesitáramos que otros nos reconocieran para reconocernos nosotros mismos. Esta es una de nuestras debilidades en materia de densidad nacional: la dificultad para reconocer lo que uno es, sin necesidad de que se lo digan desde afuera. La Argentina, por razones complejas de su evolución histórica, ha tenido siempre un problema en lo que respecta a la mirada externa.

Aldo Ferrer (con Julio Sevares): http://www.clarin.com/suplementos/zona/2007/02/25/z-03615.htm

Chances

2007-02-20T04:46:00.000-08:00

Si prefieres el bienestar a la libertad, la tranquilidad de la servidumbre al animado desafío de ser libre, vete en paz a tu casa. No te pedimos tu consejo ni tu apoyo. Inclínate y lame la mano que te alimenta. Que tus cadenas sean livianas, y que la posteridad olvide que fuiste nuestro compatriota.

Samuel Adams

Tomado del foot de sine-metu

Chappatte

2007-02-04T04:24:00.000-08:00

Art Investing - Inversión en arte

2007-02-04T04:22:00.000-08:00

Oh, internet! I found this note of Investing in Art by Frédéric Clerc-Renaud:

Millions of dollars paid for works of art everyday. Broken records: 140 millions dollars paid for "Adele blocks Bauer" portrait by Klimt.
Have they gone off their head these collectors fighting for a sculpture or an oil painting for sale at an auction? What the hell is doing the value of a work?
Basically, a sculpture or an oil canvas is exactly the same thing as a bottle of wine and obeys the rules of supply and demand. In fact the price for an object can rise as high as the price one is ready to pay for it and considering that huge amounts of money are available in the hands of wealthy collectors, eventually there is no wondering of soaring prices in art.

Born 1955, Koons is one of the most expensive artists in his generation, and his works, world famous, reached tremendous prices. They paid five million dollars in 2001 for Michael Jackson and bubbles. Anyway this doesn’t means that this will still be the true value in a few years. Art prices fluctuate and it is not unusual to ear of collectors having paid huge sums to an artist and unable to get their money back when selling a few years later. See Corot for example. It was worth millions two decades ago and today his works are being nearly sulked by the public.
There is obviously a fashion effect to be taken into account, which has nothing to do with the real value of an artist. Investors are perfectly aware of this and do the most of it. Take a Midas, ask him to buy artcraft from an emerging artist when his prices are still rather low and he is starving to death and striving to survive. Then when he has a nice collection, suggest him to sell a few works at an auction. It does not mind that the artist is unknown. The most important thing is the seller. Midas is very famous, so famous and so wealthy, most certainly he has the gift of business and if this man bought these works it is certainly to make more money. So everybody in its own gold rush, place bids to get one of these collectibles and prices soar. Now the unknown artist is famous and profitable just like a coca cola bottle. This is art apparaisal!
Gallery owners are playing the same kind of game. They are supposed to be good at finding golden ore and people believe them when they are being coaxed into buying artcraft from one of their cherished artists.
Anyway the gap between riches and not-riches is so huge that trying to explain what is expensive and what is not is to no avail. Probably 5 or even 50 millions dollars is correct if not normal when you are used to handling easy and heavy banknotes.

Most of the times you are off this world and you have nothing else to do but buy cheaper and maybe better artists. Notice that the best way of appraising an artwork is finding what mark was hit by one of the works from this artist you are ready to buy from. Check carefully catalogues from auctions, and keep in mind that it is not unusual practice when an artist or gallery owner requires from a third party that he places bids on his behalf with a view to boosting the price, no matter if he is thus running high risk of paying fees for a fake sale.
This is the price to pay to grow famous.

It reminds me of a World War Two veteran, famous in business, who told me, that the best tool ever in marketing is your nose.
Certainly you may trust yours as well when you are considering Investing in Art.

¡Oh internet! Encontré esta nota sobre Inversión en Arte en el site del escultor Frédéric Clerc-Renaud:

Millones de dólares se pagan a diario por obras de arte. Un record: 140 millones por un retrato de Klimt. ¿Perdieron la cabeza pugnando por una escultura o una pintura esos coleccionistas de arte en los remates? ¿Qué cotiza así a un trabajo? (según el original: ¿Qué mierda pone esos valores a un trabajo?)
Básicamente una escultura o una pintura son lo mismo que una botella de vino y responde a las reglas de cumplir con la demanda. De hecho el precio de un objeto puede ascender tanto como se desee pagar por él y, considerando las grandes cifras que manejan los prósperos coleccionistas, eventualmente no hay tope en el precio del arte.

Nacido en 1955, Koons es uno de los artistas más caros de su generación, y sus trabajos famoso en el mundo, alcanzaron precios tremendos. Se pagaron cinco millones de dólares en 2001 por Michael Jackson con Burbujas. De cualquier manera esto no significa ese sea el valor real dentro de unos años. Los precios del arte son fluctuantes y no es inusual oír de coleccionistas que han pagado cifras altas por una pieza que en reventa cotiza mucho menos. Veamos Corot, por ejemplo. Valió millones dos décadas atrás y hoy, sus obras no placen al público.

Hay un efecto fashion a tener en cuenta que no tiene que ver con el valor real de un artista. Los inversores se cuidan de esto. Tomen un Midas, consúltenlo sobre la compra de obras de una artista emergente cuando sus precios están todavía bajos, tiene problemas de sustento y supervivencia. Luego, cuando tiene una buena colección, sugiéranle vender esas piezas en algún remate. No importa que el artista sea desconocido.

Lo más importante es el vendedor. Midas es muy famoso, tan famoso y rico que da certeza de que si él compro esas obras a precio de regalo es para poder venderlas mejor. Entonces los demás, en sus ansias de diferencias económicas harán ofertas importantes y los precios ascenderán por sí solos. Ahora, el artista desconocido es famoso y lucrativo tal como una botella de gaseosa. ¡Tal la evaluación del arte!
Los galeristas juegan ese mismo juego. Son supuestos de ser buenos encontrando lo óptimo y la gente les creen cuando los persuaden a comprar obras de sus artistas respetados.
De cualquier modo la ruptura entre ricos y no ricos es tan grande que tratar de explicar que es caro y que no beneficioso… tal vez cinco millones o incluso cincuenta millones de dólares es la cifra correcta si no normal cuando se están usando cuentas bancarias abultadas.

La mayor parte del tiempo se está fuera del mundo y no hay otra cosa que comprar más barato y tal vez mejores artistas.

Note que el mejor modo de justipreciar una obra de arte es hallando qué, en ese trabajo de equis artista que está por comprar, lo ha tentado.

Verificando cuidadosamente los catálogos de remates, hay que tener en mente una práctica usual, que un artista o un dueño de galería usan una tercera parte que suministra propuestas del crecimiento de precio (un clap o groupié), aún cuando se está corriendo el alto riesgo de pagar tasas importantes por un costo dudoso.
Este es el precio a pagar para volverse famoso.

Me recuerda a un veterano de la Segunda Guerra Mundial, famoso en negocios, quien me dijo: la mejor herramienta en marketing es tu olfato.
Ciertamente debe creerle a la suya en el momento de considerar una inversión en arte.

Les Temps, hoy...

2007-02-02T13:06:00.003-08:00

2007-02-02T13:06:00.002-08:00

2007-02-02T13:06:00.001-08:00

Palermo y La Boca

2007-01-30T03:45:00.001-08:00

¿Cuál es la diferencia entre pintar una vista de La Boca y otra de Palermo Viejo-Soho-Sensible-Hollywood, etc?

Sencillo: Las paredes más representativas de las casas de La Boca, son canaleteadas; en Palermo hay más árboles y paredes antiguas, aggiornadas a lisas. Los colores para La Boca son de pomo y para Palermo, mixturados con un touch de blanco para que sean apastelados. Son, plásticamente similares.

Ensayo de Ditte Ejlerskov

2007-01-30T03:45:00.000-08:00

Alas, who will free us from the heavy chains of logic?

With the reader’s permission I will begin with a warning: don’t expect any multifaceted discussions, for I will be illuminating a subject about which I have strong feelings. That subject is modernism’s disrespect for representational painting, which I attribute to surrealism’s reception in the modern current. I should also beg pardon for the many quotations, which furthermore attest to the subject’s longstanding relevance. But before getting to that, I will, mostly for my own sake, attempt an overview of surrealism’s history and a commentary on it subsequent and contemporary role.

The second before logic acquired heavy chains.

I think that Dadaism was surrealisms direct prerequisite. But when it said that way, I must stipulate that Dadaism cannot be considered an artistic school. Notwithstanding its meaningful place in the history of modern art, I think of it more as the starting gun for modernism. I see Dadaism as a tragicomic testament to the widespread depression during the First World War. It was, as the writer Paul La Cour so aptly dais, “the swindler's answer to culture”. With the advent of the war, all the beautiful dreams of a better world lay in ruins and Dadaism responded with gallows humor, scorn and ridicule. They wanted to expose the all-too-beautiful ideals that had dominated art and display them in all their pitifulness. Without direct enemies, the Dadaists fought for absolute meaninglessness. And lest anyone doubt the movement’s destructive character, they added the following saying: “The true Dadaists are against Dada”. No matter how unthinkable it seems, in that total nihilism the Dadaists left a legacy that would be fruitful, yet held that no art could be produced for the sake of beauty.

After having battled the intellect, the Dadaists still had one remaining value, namely life in its most elementary form. Some of Dadaism’s familiar faces, such as Man Ray, Max Ernst and André Breton, are also leading figures in surrealism, which the last-named announced with his 1924 manifesto. Surrealism fed the deep distrust of the intellect and reason, but it replaced Dadaism’s defeatist attitude with a new faith in humanity. It would give free rein to instinctual life, intuition and spontaneity. On this theory automatic drawing and painting were invented. These methods were claimed to be free from rational control and moralistic self-censorship, with the artist functioning as a medium of the unconscious. When I study the ideas that Breton, especially, made out to be the deepest life of the soul, I think of mystic ideals of exploding consciousness to make it more spacious. Since the discovery of desire as the most captivating power laid the foundations of great religions and philosophical currents, I must preliminarily conclude that what the surrealists had hold of lies buried far down in humanity’s primal instincts. The dream of the Promised Land lying hidden behind logic and convention had been dreamed for millennia prior to Breton’s manifesto. Spontaneity is part of human nature and I will quote these words from the manifesto simply because I am in full agreement: “Beloved imagination, what I like most in you is your unsparing quality".

It looks to me as if the surrealists were looking in vain to belong to their own time. They energetically tried to demonstrate their kinship to Marxist ideals. However, it is clear that their demand for the individual's right to uninhibited development and their romantic aversion to the intellect in no way harmonized with Marxist theory. One may also remain skeptical as to the kinship to psychoanalysis that they often claimed. Freud himself was skeptical, writing to Breton: “No matter how much evidence I’ve received of the interest you and your friends have for my work, I cannot really understand what surrealism is or what it wants”. The surrealists knew very well what they wanted – to free the mind. Writer André Gide sighed: “Alas, who will free us from the heavy chains of logic?” The surrealists not only cultivated mistrust of reason, they wanted to fight it. They not only allowed themselves to be carried away by intuition, they practiced doing so. But whereas they followed small trails out to extremities, Freud would harmonize. In this connection I find it necessary to go farther into the artist’s profile; to use Salvador Dali’s words: “Beauty is the sum of our perversities”. The surrealists were not looking for harmony.

Zoom out

But when I have understood surrealism on its own principles and zoom out onto the rest of the art world, I sit back with the feeling that surrealism was disregarded in its own time. I put all the blame on Greenberg's 1939 essay "Avant-garde and kitsch”.
After the war, religion was no longer convincing and the avant-garde therefore wanted to imitate – instead of presenting – God, and in that way to create something that worked on its own principles. Art should be its own system, be original, and deal with art. With art for art’s sake the avant-garde arrived at abstraction and non-objectivism and relegated representational painting to the degrading genre of decoration, pandering to beauty, kitsch. But scorn is born of insecurity about one’s own position, and I believe the avant-garde sensed the danger in their closed artistic milieu, especially as new capital began to drive the market. Worst of all was that the elite, who had previously been the art market's precondition, began to lose power to the masses, who were now the biggest threat to art. Their understanding of art was considered primitive. Commercial culture was coming about in all forms, and at the risk of sounding patronizing I might add that workers had no time to philosophize over art for art’s sake anyway – they only wanted to be entertained in their time off from work. Thus it was difficult for the art world to distinguish between kitsch and art, where kitsch was evil and art was good, in Hermann Broch's formula.

Representational painting was also used as propaganda. It was false and evil. Greenberg said that “Kitsch keeps a dictator in touch with the ‘soul’ of the people”. A good example can be found in Rome, where Mussolini built the EUR section at the start of his career, focusing on progress and modernity – futurism, in short. Later he realized that had to be in contact with the 'soul’ of the people, so he came up with the “new imperial” style, which hit the mark with the people, as it gave them objects to marvel over. Avant-garde invented kitsch was crafty, commercial and evil. The conflict left representational art out on the sidelines, away from real art and closer to the masses than the avant-garde. Since social realism was the educational system, there was no political will to teach people about high culture, and to be honest, sixty years later we are still faced with this problem between contemporary art and the masses' view of contemporary art. As Greenberg so succinctly put it, “The alternative to Picasso is not Michelangelo, but kitsch”. In other words, representational painting of 1939 was not worth mentioning, just commercial. Painting died from just repeating clichés. The future of painting was in the hands of the new abstract expressionists, and with such faith behind it a whole new school of abstract art blossomed in New York. The essay “Avant-garde and kitsch” invented modernism and set the market price for abstract expressionist paintings.

To zoom farther out, I think there was also a question of inflation in the obsession with the experimental, where anyone could be an artist by virtue of being innocent and non-commercial. Furthermore, I think that abstract expressionism is one of the most kitsch-ridden styles one can find. Today this is indeed the masses’ expectation. The avant-garde has become a cliché, so it is impossible to protect oneself against kitsch by being avant-garde. Everything of cultural value becomes diluted one day, because the elite no longer have the economic ability to lock it in. As Roger Scruton points out, all the culture that was sublime a hundred years ago can be bought in copies in any airport. Scruton also says that "the opposite of kitsch is not sophistication; it is innocence".

To finish with Greenberg, he thought that two cultural phenomena had arisen in society: the avant-garde – guided by high-cultural experimentation – and kitsch, the sure, commercial, people's art. And although he took back much of what he said in the essay, I think it is now clear that his theory of commercial culture was correct. Greenberg assured his readers that there was no middle way between avant-garde and kitsch, but does that mean that there is now no representational painting to be found without it being inferior by definition?

Zoom in

To address how surrealism is seen today, it would be natural not to abandon my earlier focus on Dali. He is one of those who represent all of art – a myth – kitsch. He has been taken out of his philosophical context and reduced to decoration in the same manner as for great historic works such as Da Vinci’s La Gioconda. Important works have been subjected to rape, and the inspiration the artist put into the work has been replaced by sentimental incomprehension. As I see it, this is just what has happened to several of the surrealists, mostly due to their digestible visual impact. The works were created in a high-cultural context and thereafter underwent unavoidable degradation at the same time as they were exalted in the public eye. The basis for the inevitable kitschification of representational painting lies in people's desire for beauty and the fact that the masses' needs dictate that kitsch is bad style. I could assemble a comprehensive cavalcade of works produced in a high-cultural context that have become the people's icons – works thus fated because they were too good.

Kitsch is thus the people’s intuitive bad taste. With that claim high culture is elevated to a sophisticated level. But when it comes to art I often think that the definition of bad taste is a defense mechanism, whereby we can avoid discussing the content by haughtily dismissing the form. I do not think that surrealism deserves such disrespect, but I find it again and again. Isabel Carlos said to me, after considering one of my paintings, that surrealism is a form that most artists identify with way at the start of their careers, then leave behind altogether. Contemporary art must for nothing in the world relate to surrealism, lest it become too banal and folksy. The worst thing is to be kitsch without knowing, in which case one simply has bad style – and who wants that in an art contest where what counts is good style?

Let me quickly mention that the postmodern version of kitsch leads me to think of eating one’s vomit, which holds no form of nutrition. Artists such as Andy Warhol and Jeff Koons knew that the worst would be to produce kitsch unintentionally, so they did so intentionally and figured they had invented a sophisticated parody of the art of the masses. They made "art". I do not entirely understand all the fuss over quotation marks. Are they used because one is afraid to say things directly and needs to hide behind condescension and irony? Or because one in fact has nothing to say? The artist acts as if he takes himself seriously; the critic acts as if he judges the work, and finally we have a buyer who has been persuaded of the work’s worth. False feelings are the coin of the market. Scruton notes that the intention to unintentionally produce kitsch is impossible, the same way that it is impossible to behave unintentionally. Michael Pierce, in his 200 essay “The reluctant death of modernism”, says that “Modernists have been so concerned with irony and distance that they have regarded kitsch with contempt – the problem for them was that kitsch was concerned with pathos – about what we like to call the human”. So I am no0t the only one who feels it is forbidden to talk about the human in a world where the thing is to have good style and create art for art. Here I see the formal artist who operates in his safe-art orb without respect for art that speaks of non-formal things, protected by the values of modernism. Since I will not in any case get through this without quoting Odd Nerdrum, it is just as well to do so here: “The ruler of the modernist hell got the name of kitsch. Kitsch became art's antithesis."

Art is a question of communicating things relating to the forces that drive us as people, not as artists – and this is where I think the surrealist problem becomes relevant for contemporary art. If we only refer to our own group we no longer meet the demand of documenting our time, because there is, in fact, a contemporary world on the other side of the gallery walls. But we can no longer understand it and thus face difficulty defining it. Art has talked about art for many decades and only superficially focused on the external world, so it has become deeply essential to the people who use it. The problem for many artists is just that (and let me straight away offer myself by way of illustration) we want to talk about art in an artistic context. This is where we want to be. We want to be accepted by the art elite, not the masses. But is there any way at all I can combine my overall motivation with the places where I want to exhibit? I will gladly talk about art, but I also want to talk about the forces at play in my life as a person. I want to meet the demand of documenting my time, but can I understand it at all? Breton describes desire as the only master humanity needs to understand. If we recognize art as testimony from different extremities of humanity and society over time, I can easily see the connection between our present reality and the testimony art is currently producing. For as long as humanity does not recognize desire as the only power, desire will control society. And that is why I believe that today we cannot accept surrealism, for example. We have a defense mechanism that protects us from the fact that society no longer serves people, but that people, in their cycle of need, serve society and strengthen the outer guard. If we realize that, we also realize that all the glorification of the modern breakthrough – and here I mean in everything contained in the term, not just in art – is itself a myth and that modernity has now taken power from the humanity that created it. But can an art-political defense mechanism that amounts to good style keep us from the truth?

This problematic faced surrealism from the start. Despite the public's love for their new concept of humanity, they were only later accepted by museums and some works were suppressed for many decades on political grounds. It is clear that modernism and postmodernism have had difficulty accepting art that sought to speak of the unconscious when they themselves want to discuss the very outermost layer of abstraction – concrete art. The result is significant today: modernism, as the strong current it has been, has created endless taboos in art. Both the public and art producers have for many decades done all they could to live up to good taste. It is dangerous to go out in the deep waters, where strong feelings are in play. It is better to stick to safe art (the contemporary aspect of which I will in no way refuse to comment on!) that uses a language that doesn’t need to speak of people, but affords a safer zone, wherein there is only the question of art - formal art. In that forum we can now relate to one another on a theoretical level, where we can speak of tendencies that really are about people, but in some larger systems, namely politics and theory. When someone comes along and wants to talk about practice and feelings, we regard it as a bit embarrassing and pathetic. We are children of postmodernism and surrealism is still alive on the sidelines.

In the time since the modern break-through we have developed everything necessary to the maintenance of our cycle of desire. Today we do not even see the machine that keeps the cycle going, much less the cause of its running. Nonetheless, I think the modern break-through has been optimal for humanity, as it challenges the intellect and I believe we should celebrate it and enjoy all of its potential - until it collapses. Modernism is an intellectual movement that will not confront humanities instinctive hangover, but I think that surrealism’s interests emerge in pace with humanity's discovery of the machine that keeps our desire going. Until then art that speaks in overly passionate terms is rejected with the epithet “kitsch”. The best example in a long time is Michael Kvium’s show at Aros in Århus, which is loved by the media and public while found embarrassing by the art world.

As a serious contemporary artist, one has always to be on the lookout for clichés. Flirting with clichés must only be done with a certain understanding of kitsch and the knowledge that all one’s artistic effort will be lost if the limits are crossed. John Currin is an artist who flirts with these limits and can serve as my ideal in the search for a new direction. He says that "critics don't know the value of magic in art” and that they “often have a deconstructive mode of analyzing art with the help of signs that all have a cultural identity – that art shall refer to some other art”. I also think that method of reading art is passé, and I think Michael Pearse expresses it fantastically well: “Post Modernists are like Cuban revolutionaries who, aging and outdated, cling to their decrepit system”.

So who is going to give André Gide a valid answer?

It looks as if this text ironically enough is ending with a cliché, that is, a critique of modernism.Therefore, I will end by denying that this is the case by concluding that I think modernism and its works have left an incredibly precise testimony of their time – the time when one does not speak of the unconscious, but works the surface. It is the time when society is not controlled by humanity, but rather humanity is controlled by society.One can indeed wonder why I have come so far afield from the subject of surrealism, but I will briefly explain why I think it is relevant in this context. I think that what the surrealists wanted to describe was humanity in its purest form – instinctual humanity and its spontaneity. But what modernism did – as the far more dominating tendency – was to hide the instincts and focus on the outermost layers, those that protect the public and direct us away from our own core, so that we live somewhere on the surface, with no idea that we are being controlled.

If you think this has been a one-sided communication, I will defend myself by referring to my warning at the start of the essay, and must therefore unfortunately state that I am not prepared to make surrealism more comprehensible. Before it can be made comprehensible it must be given its due attention, and it does not seem as if modernism will allow it space for that. Until this might happen, André Gide will have to stand alone with his question: “Alas, who will free us from the heavy chains of logic?”

From Ditte Ejlerskov's blog.

Por la muerte de Carlos...

2007-01-20T07:54:00.000-08:00

Fuego de tu mano

queda en el mundo, quema

suciedades terrestres,

llena la copa del buen ojo,

el que mira oleajes de amor y de dolor,

ese fuegofunda ciudades,

soles que no se ven,

para alos mazos que golpean

en pabellones del espanto,

piedra es contra la perra de la injuria,

las mañanas sin leche,

las llagas del corazón,

el fuego de tu mano arde

dentrísimo de vos, desde vos,

empeñado en alzarlo que es y lo que no fue,

mares/mareas/vida/siempre...

Poema escrito el 18 de enero de 2007 por la muerte del pintor Carlos Gorriarena. Fue leído ayer por Cristina Banegas en el entierro del artista.

Contaminación lumínica

2006-11-30T02:23:00.000-08:00

Durante millones de años, los seres vivientes de la Tierra han ido adaptando sus procesos biológicos de acuerdo con dos ciclos astronómicos fundamentales: la sucesión de las estaciones y la alternancia día-noche. Dado que la percepción de ambos fenómenos es desigual según la latitud, las distintas especies se han acomodado a la singularidad de ambos ciclos en su hábitat. Cualquier perturbación en alguno de ellos originaría distorsiones cuyo alcance desconocemos, pero que, con toda seguridad, ocasionarían la extinción de algunas especies y la aparición de nuevas exigencias adaptativas para las demás.
(...)
Si bien la contaminación atmosférica por el CO2 emitido por las centrales térmicas de producción de electricidad, las industrias y los automóviles, es la principal responsable del efecto invernadero que amenaza el equilibrio climático de la Tierra, el uso excesivo e irresponsable de la energía eléctrica en el alumbrado de exteriores es la causa de una nueva agresión medioambiental que amenaza ni más ni menos que con eliminar la noche, alterando así el segundo ciclo cósmico fundamental. El fenómeno ya tiene un nombre: contaminación lumínica.

En la imagen (click para agrandar) se ve el consumo energético nocturno por satélite, incluso las zonas de riqueza.

Sugiero leer el artículo completo de Pere Horst en: http://www.ecoportal.net/articulos/luminica.htm o en http://www.astrogea.org/celfosc/contaminacio_luminica.htm

Valga ser alguien

2006-11-20T14:21:00.000-08:00

“Si los pueblos no se ilustran, si no se vulgarizan sus derechos, si cada hombre no conoce lo que vale, lo que puede y lo que sabe, nuevas ilusiones sucederán a las antiguas y después de vacilar algún tiempo entre mil incertidumbres, será tal vez nuestra suerte, mudar de tiranos, sin destruir la tiranía.”
MARIANO MORENO

Cosmopolitismo latinoamericano

2006-11-17T09:16:00.000-08:00

Sostiene Octavio Paz la imposibilidad de definir el arte latinoamericano que, como el de otros continentes, se despliega en muchas tendencias y personalidades contradictorias… Pero hay algo en común en todos los casos, ya que la mayoría de los artistas latinoamericanos que cuentan coinciden en la conciencia de trabajar, no para, ni hacia, ni por, sino desde y en América. «Los artistas que viven en Europa o en los Estados Unidos desde hace muchos años saben y sienten que no son de allá, sino de acá. Mejor dicho: el artista latinoamericano, siendo de aquí, es también de allá. Por eso la conciencia de ser latinoamericano no es un nacionalismo. Ser latinoamericano es un saberse –como recuerdo o como nostalgia, como esperanza o como condenación– de esta tierra y de otra tierra. El arte latinoamericano vive en y por este conflicto. Sus mejores obras, lo mismo en la literatura que en la plástica, son la respuesta a esta condición realmente única y que no conocen los europeos ni los asiáticos ni los africanos. El cosmopolitismo latinoamericano no es un desarraigo ni nuestro nativismo es un provincialismo. Estamos condenados a buscar en nuestra tierra, la otra tierra; en la otra, la nuestra. Esa condenación se resuelve en algunos casos en libertad creadora: ese puñado de obras únicas que, en lo que va del siglo, han creado unos cuantos latinoamericanos».
Fragmento de Cubismos y arte moderno en América Latina, de Irma Arestizábal

El tenebroso arte de respirar limpio...

2006-11-14T06:51:00.001-08:00

Hará cosa de un año atrás me espantó (es la palabra correcta) el crecimiento edilicio en mi área. En el lugar donde había una casa, ocupada por 1 a 4 habitantes, se construyeron edificios en un ideal de 2 cuerpos, a razón de 8 pisos de al menos 2 departamentos por piso. Fuera del cambio sensorial del panorama, noté que el plan carecía de criterio relacionándolo con el incremento demográfico. Recuerdo a quien lea estas líneas, que tan simplemente soy un pintor que no pretende superar ni equiparar conocimientos de ingeniería o arquitectura, para eso están los profesionales… por ende mi observación es la de cualquier habitante común que, al menos, haya aprobado el año de Salita Amarilla. Calculando tan solo 2 habitantes por departamento en un terreno donde hubo 4 ahora hay 64 trastes en actividad moderada. Donde antes (hace apenas un años atrás) hubo 10 casas (casa más, casas menos) hoy hay unos 8 edificios por vereda, esto hace que tengamos 512 trastes activos en 100 metros, lo que suma ¡2.048 por manzana! Podría muy bien abrazarme a la vieja usanza de importarme un pito, pues estoy en una zona alta de Villa Urquiza a metros de Coghlan - Belgrano R y mi único interés fue, cuando consulté al respecto, el de prever lo que otros (ejecutivos y profesionales, claro) no vieron o disimularon. Hoy, aparte de faltar cada vez más plazas, árboles, cielos y pájaros en la C.A.B.A., en el barrio de Caballito -es noticia reciente en los medios y andan todos estremecidos como lo estuve- el pueblo sale a la calle porque no soporta el aroma ni los efluvios que emanan desde el freático. Si hubo diseño, no fue conceptual, por ende fue mal diseñado o impensado, escasamente profesional; si no se especuló de modo ambiental, falla mayúscula desde el vamos... y si no se pensó siquiera ¿por qué los sueldos? ¿Por qué los puestos?
El jefe de gobierno está hasta la coronilla con los permisos edilicios para ver qué hace con ellos y la baranda aflora intensa recostada plácidamente a lo largo de los 32° de noviembre y a más en pocos días, cuando aflore el veranito porteño, en la bella Buenos Aires. ¿Hubo proyecto cloacal, o no? Vamos, la verdad, que no es joda...
Imaginemos con ternura cuando, dentro de poco, las dulces parejitas de jóvenes, recientes vecinos, procreen, y se sumen nuevos culitos a la fiesta... ¡Jhá! Imagino que para acercarme a la avenida Triunvirato habré de cruzar Álvarez Thomas por Olazábal con una máscara...
Lo siento: no hay Sol-Do, porque en vez del final, desafortunadamente este es el principio de un nuevo tango...
NdA: Usé trastes porque es la unidad de uso consecuente y parejo en referencia. Los consumos de luz o de gas, son variables…

Touch'n'go Society

2006-11-13T06:57:00.000-08:00

Ha con esto de que los jóvenes no encuentran pareja y que si la encuentran y se casan al poco tiempo se separan. Finalmente las parejas gay están más equilibradas de las heterosexuales. ¿No es inquietante? La mayoría de las mujercitas que se acodan en las barras de los boliches –de cero a cero siete- le dan al trago como si fuese la última vez y los muchachos, poco interesados en beodas, solo se interesan por un touch’n’go y a otra cosa. Luego ellas consideran que los muchachos no hacen su aproach y están destinadas a terminar en la soltería histérica que nadie banca o en la desesperación de ¡estar llegando a los 30 sin pareja! Ellos por su parte están en el mismo panorama y alcohol más, alcohol menos olfatean bien de lejos lo que romance signifique. Algunos recaen en jugar a las cartas en casa de algún amigo con un par de fugazzettas y decidirse por la misoginia y los otros a cazar hembras por un rato; lo que de paso, también, seamos veristas, cansa. No hay espacio para el amor en el concepto que los seres requieren. Porque lo necesitan. Las libertades no son de cemento sino flotantes, se dispersan, se atomizan, desaparecen… Y lo que queda es, fuera de lo sexual: la necesidad humana de sentirse humanos. Aunque suene anticuado o fuera de foco, la ausencia de romance es una herida seria en la sociedad actual porque ese menoscabo quita esperanzas, sueños conjuntos, expectativas enriquecedoras que van mucho más allá que la capacidad etílica de riñones, hígado y vejiga o de quien se encama a cada rato, porque es fácil, resulta sencillo; el romance es una pelea de dos contra el mundo; es la creación y recreación de eventos íntimos de suma importancia que por modernismo, por no estar off, se han relegado y, como quien extraña aquél saquito viejo que ha tirado hace tiempo, así el touch’n’go no suplanta aquello, lo que en verdad aparte de satisfacer, alimenta…
Es lo que escucho los jóvenes se reclaman a diario si no a cada rato, en demanda permanente de aquellas personas que han hecho de sus vidas tan solo la persecución del bienestar económico y profesional, en aras de la nada, porque ¿de qué sirve tanto cuando hay tan poco o casi nada?

Chardin

2006-11-06T04:13:00.000-08:00

Fue necesario que el pintor Coypel encargara al joven Chardin pintar un fusil en uno de sus cuadros para que este maravilloso artista se enamorara de las cosas, comprendiera el alma y cantara su poema el resto de su vida. Nada en la naturaleza le fue indiferente a Chardin (1699-1779) y hasta los objetos más humildes tentaron sucesivamente su pincel (El bollo, La fuente de bronce). Después de los pequeños maestros holandeses ningún pintor había osado rebajar su talento hasta labores tan modestas.
Jean-Baptiste Simeón Chardin opera el milagro de tratar la naturaleza muerta con una tal emoción, una técnica tan perfecta y tan jugosa que, de un golpe, la rehabilita a los ojos de sus contemporáneos. Incluso recibió de ellos una admiración muy raramente concedida a un pintor con el que se codeaban.
La vida familiar le inspira escenas de género muy enternecedoras, tomadas del natural, como Bendición, cuya atmósfera de piedad hace pensar en el misticismo de los primitivos, pero con más intimidad. Citemos dentro de estas características otras obras como La proveedora, El dibujante, El niño, La madre laboriosa (imagen reproducida)…
El artista no va muy lejos a buscar su tema; la tranquilidad del su hogar de pequeño burgués le es suficiente. Una mañana, en su cocina encuentra su famosa Raya y la pinta como la ve, igual que Rembrandt pintó su Buey. El dibujo de Chardin es envolvente y continuado. Traza con fuerza la forma de los volúmenes y les sabe dar la amplitud deseada.
Al igual que los venecianos y que Rembrandt, Chardin esbozaba su tela en gris, y la ejecutaba al aceite que dejaba secar por largo tiempo. La coloreaba después utilizando medios empastes para acentuar las luces. Después de un reposo de algunas semanas aplicaba, sobre todas las partes sombreadas, una veladura cálida destinada a hacerlas más transparentes, a colorearlas más intensamente, a armonizarlas entre ellas y a equilibrar por contraste los planos iluminados. Esta paciencia de trabajo es la que le permitió obtener una pasta ligeramente áspera que la acción del tiempo ha cristalizado y cuyo esmalte hace de un cuadro de Chardin un objeto de arte muy precioso.
(René-X. Prinet, 1951 - Los cuadros mencionados se encuentran en el Louvre)

Fashion Castells & Arts

2006-11-01T16:23:00.000-08:00

Los hechos del 31 de octubre durante la 4° edición de Alvear Fashion & Arts, en la zona estratégica de la ciudad (desde la Iglesia del Pilar hasta la Embajada de Francia), ocurrieron como verdaderos happenings aislados que interactuaron por la intervención de Castells, hombre de actividades políticas quien, a modo de permanente generador de sucesos (tal un happening) fue capáz de trasponer las fronteras de prensa, en actitud de grupo e interacción de masas, afectando de igual modo a las ricas y las carenciadas según la cámara que lo enfoque.
Fue una suculenta promenade que superó cualquier programa; otro enfoque curioso, mezzo tragicómico de la realidad...

Se despide un genio...

2006-10-26T08:29:00.000-07:00

Gabriel García Márquez se ha retirado de la vida pública por razones de salud: cáncer linfático; que es cada vez más grave. Ha enviado una carta de despedida a sus amigos, y gracias a Internet está siendo difundida. Este corto texto escrito por uno de los Latinoamericanos más brillantes de los últimos tiempos merece la lectura de unos minutos a la eternidad.

"Si por un instante Dios se olvidara de que soy una marioneta de trapo y me regalara un trozo de vida, aprovecharía ese tiempo lo más que pudiera"
"Posiblemente no diría todo lo que pienso, pero en definitiva pensaría todo lo que digo"
"Daría valor a las cosas, no por lo que valen, sino por lo que significan"
"Dormiría poco, soñaría más, entiendo que por cada minuto que cerramos los ojos, perdemos sesenta segundos de luz. Andaría cuando los demás se detienen, despertaría cuando los demás duermen"
"Si Dios me obsequiara un trozo de vida, vestiría sencillo, me tiraría de bruces al sol, dejando descubierto, no solamente mi cuerpo, sino mi alma"
"A los hombres les probaría cuán equivocados están al pensar que dejan de enamorarse cuando envejecen, sin saber que ¡envejecen cuando dejan de enamorarse!"
"A un niño le daría alas, pero le dejaría que él solo aprendiese a volar"
"A los viejos les enseñaría que la muerte no llega con la vejez, sino con el olvido"

"Tantas cosas he aprendido de ustedes, los hombres...
He aprendido que todo el mundo quiere vivir en la cima de la montaña, sin saber que la verdadera felicidad está en la forma de subir la escarpada"
"He aprendido que cuando un recién nacido aprieta con su pequeño puño, por primera vez, el dedo de su padre, lo tiene atrapado por siempre"
"He aprendido que un hombre sólo tiene derecho a mirar a otro hacia abajo, cuando ha de ayudarle a levantarse"
"Son tantas cosas las que he podido aprender de ustedes, pero realmente de mucho no habrán de servir, porque cuando me guarden dentro de esa maleta, infelizmente me estaré muriendo"
"Siempre di lo que sientes y haz lo que piensas"
"Si supiera que hoy fuera la última vez que te voy a ver dormir, te abrazaría fuertemente y rezaría al Señor para poder ser el guardián de tu alma"
"Si supiera que estos son los últimos minutos que te veo diría "te quiero" y no asumiría, tontamente, que ya lo sabes"
"Siempre hay un mañana y la vida nos da otra oportunidad para hacer las cosas bien, pero por si me equivoco y hoy es todo lo que nos queda, me gustaría decirte cuanto te quiero, que nunca te olvidaré"
"El mañana no le está asegurado a nadie, joven o viejo.
Hoy puede ser la última vez que veas a los que amas.
Por eso no esperes más, hazlo hoy, ya que si el mañana nunca llega, seguramente lamentarás el día que no tomaste tiempo para una sonrisa, un abrazo, un beso y que estuviste muy ocupado para concederles un último deseo."
"Mantén a los que amas cerca de ti, diles al oído lo mucho que los necesitas, quiérelos y trátalos bien, toma tiempo para decirles "lo siento", "perdóname", "por favor", "gracias" y todas las palabras de amor que conoces"
"Nadie te recordará por tus pensamientos secretos.
Pide al Señor la fuerza y sabiduría para expresarlos.
Demuestra a tus amigos y seres queridos cuanto te importan" .

Si lo deseas, envía esto a quienes quieras…
Si no lo haces hoy, mañana no será peor que ayer.
Y si no lo haces nunca, tampoco importará demasiado.

(Gracias a un correo-e de mi amigo de la juventud, el Dr. Daniel Furst, de Santa Rosa, La Pampa)

Observaciones...

2006-10-24T07:17:00.000-07:00

Tras el almuerzo, que consistió en carne asada, huevos y papas fritas, algunas remolachas y zanahorias hervidas rociadas con aceite de oliva y pimienta, comentó que nos liberaba de su presencia; él caminaría de regreso y se tomaría una copa antes de ingresar a Niza, como para recuperar las fuerzas. Anna me tomó del brazo y mirándome sugestiva me dio a entender de seguirlo. Así lo hicimos tras la consulta, asegurándonos de no importunarlo.
— ¿Por qué habrían de incomodarme? Me siento bien solo o acompañado; la vida se hizo para eso… Camino porque me gusta el paisaje humano de esta zona del mundo. Pocas personas aprecian el baluarte sentimental del sur de Francia. Todo esto —ilustró haciendo un arco con el brazo sobre el panorama— desde Marsella hasta Milán y desde el Mediterráneo hasta Berna, es un mundo aparte del universo cotidiano, que pareciera estar, créanmelo, clavado en mis emociones. No se qué es. Tal vez viví gratos momentos en esta zona en alguna vida previa, si eso es cierto —sonrió astuto—, y es por eso que me atrapa; los ambientes, los recodos, los pájaros ¡hay aves voladoras en todo el mundo que recorro, pero estos son mis pájaros!, pocos en verdad, pero míos; me es inevitable embelesarme con este paisaje de casitas tan ensoñadas y las vistas tan satisfactorias; me inflama el ego, no puedo explicarlo. La soledad del paisaje humano me hechiza. De vez en cuando descubro alguna muchacha mágica que aparece a la distancia —señala con un dedo a un lugar impreciso— entre los arbustos y vuelve a desaparecer como si las imágenes por sabrosas, jugaran con mis ambiciones de observador. Hay encantamiento —acentuó mirándonos a los ojos—. He tomado fotos de estos lugares —comentó— pero lo que sirve, créanmelo, es lo que se ve transitando el paisaje —se señala los ojos—. Las fotos captan un poquito, apenas. Las pinturas en cambio logran algo —quedó pensativo unos segundos—, sí, tienen algo más que las fotos —se excitó—, pues hay sentimientos volcados tras cada pincelada… pero la naturaleza es superior. Miren esa nube —señaló al cielo— y díganme, ¿no es mejor artista Dios que todos nosotros? ¡Ese barbudo eterno sabe muy bien cuanto lo envidio! —rió mirando al cielo—, y en su nombre y en su Gran Arte dicho así, con mayúsculas, hemos de tomar un kirsh al recodo de la avenida… Es lo que hace bien, estamos cerca, ya verán, es necesario y refrescante, porque nuestro Dios, el de cada uno de nosotros —esgrimió el índice jugueteando entre nosotros— nos acompaña en el festejo de la vida.
Anna lo asió también del brazo y los tres entrelazados, descendimos hacia Pessicart por Chemin des Sablières…
(Fragmento de Quince Días, inédito de L. J. Gurmandí)

Vernissages...

2006-10-20T12:00:00.000-07:00

— Soy tan simple que me desvanezco en lo común; no tengo patrocinio o subsidios de ningún tipo sino de mi trabajo; tampoco soy joven ni lenguaraz, alcahuete o pandillero. No he matado sino algunas hormigas que me comían las plantas. Se que la belleza es fugaz y no hay pilling que modifique lo que la vida es. No atraigo a nadie si no he sacrificado un buen pedazo de mi cuerpo en el quirófano de algún cirujano estético, uno de esos muy caros de los que reproducen la misma imagen en todos sus pacientes; si no hice eso ¿de qué sirvo?. Solo he matado hormigas, jamás un ser humano; no intenté incendiar el museo de Bellas Artes ni una caja de zapatos en una plaza… tan solo pinto, es lo que hago y es de lo que vivo. No soy presa interesante para asociaciones económicas ni siquiera para un club de barrio. Ya no me dan bola ni los viejos que juegan al truco en los parques. Demás está decir entonces —miró a Magdalena, respondiéndole— por qué no hay cámaras ni entrevistas en mis exposiciones, ni demasiados interesados en lo que presente. Los medios están en otra cosa, muy lejana al arte… todos lo sabemos. Por lo tanto —se encogió de hombros—, me queda confiar en la compañía de un pequeño grupo de personas que por ánimo, estima o sutileza, son capaces de mover sus cachas hasta donde cuelgo mis trabajos, para compartir ese momento de la apertura o un buen rato en alguno de los días subsiguientes, durante la muestra, saliendo de la sala para compartir un Cynar.
Se que a los demás, ese día y a esa hora, como es habitual habrá de llegarles la tía tan querida que hace años se fue a vivir a Sydney; habrá de parir la gatita mimosa de la casa, seguramente... o serán las bodas de plutonio de los abuelos; tendrán que ayudar a la cuñada de Neuquén, haciéndole la vela al sobrino que se sacó el hombro cayéndose de la hamaca, si es que tienen sobrino; deberán viajar por asuntos de cualquier índole por todo ese tiempo de la exposición… lo que sea… modos de disimular el temor a como vestir para el evento o las dudas del comportamiento en público, a que si hay que pagar entrada; tampoco habrá como hacer dinero con alguien —miró de reojo a Gerardo—; tal vez no haya vino del bueno… ni canapés… solo sánguches ácidos. ¿Es difícil imaginar el resultado? Adoptan por evadirse de cualquier manera.
Ya ven, en algo nos parecemos: gozamos de sencillez… yo, la de producir asuntos artísticos y aquellos, la de rehuirse. Pero eso sí, luego, todo el tiempo hablan de arte y de asuntos culturales para impresionar a las guachitas lindas y hasta simulan haber leído tipos que no saben sobre qué escribieron —rió con cierta soledad, mirando a los demás a la mesa—, el que más la liga es Borges...
Por lo tanto, ya saben que no los espero. Comenzaré a solas —regalándoles una mueca incierta que culminó en los ojos de Magdalena—. ¡A la santé, salud! —expresó animoso levantando la copa.
(Fragmento del personaje Octavio en el cuento Charla en el veintidós, inédito de L. J. Gurmandí)

En la terraza del Boscolo...

2006-10-19T04:09:00.000-07:00

— Las personas que se me acercan, a las que llego, merecen ser apreciadas —comentaba— porque entre millones de seres en el mundo, algo las coloca en mi camino o a mí en el de ellas. Lo llamo respeto por el hallazgo. Aún cuando tu música no me gustase o a vos tampoco mis pinturas, estamos juntos en un momento de la vida y eso es oro en polvo, que pocas personas saborean. Acontecen dos exquisiteces: estamos comunicándonos al tiempo que estamos vivos. No sucedería tal magia si nos faltase uno de esos componentes. Es lo mismo con un gato o con el paisaje. Es el momento que alimenta la vida. Pasarán los años y Anna recordará los buenos momentos de trabajo, tus arrumacos, vos los de ella, cosas que los Goutier (quienes encargaran la escultura para enriquecer el parque de la casona campestre) ni imaginan porque ellos se han quedado con la Anna que aman, la Anna que yo les hice al bronce, gracias a Anna, a tu amada Anna, la de carne y huesos. Es toda una tortilla de vínculos y eventos que debemos respetar absolutamente por la simpleza de darnos estos placeres. Esta mesa… —echa un vistazo al entorno— desde la que estamos viendo el paisaje mediterráneo, en esta magnífica terraza tan soleada, es un espacio de respeto mutuo: tuyo por venir a tomar una copa y charlar un rato conmigo y mío por compartir tus pensamientos. Es sano, es bueno, nutre, ayuda, enriquece, vale la pena. Otros dirán que es holgazanería. Está bien ¿por qué no? Los que estamos en esta parte del arte debemos ser holgazanes porque ahí reside el pensamiento. Platón no habría hecho lo suyo corriendo una maratón; Dalí no habría hecho lo suyo escalando una montaña; Picasso habría fracasado si se hubiese metido en una empresa a catorce horas diarias. Es necesario esto, lo de tomar un descanso sin límites, sintiendo correr la vida, porque somos parte de ella y es el aprendizaje a no desvanecernos, a no descartar la vida por cosas tan insípidas y abstractas como una empresa; allí se matan por algo tan abstracto como un puesto, maltratan a otros sin saber de quién dependen, son fusibles de todo y creen que están vivos corriendo a más de doscientos con sus máquinas de trescientos cuarenta caballos a seis mil revoluciones por minuto, se acuestan con la bonita del jefe y escalan a puro jugo de carne —sonríe áspero—; cosa que no nos es lejana —guiña un ojo—, al menos nosotros no lo disfrazamos de licenciatura ni profesionalismo —carcajeó—. Debemos dar vida a las buenas ideas y los mejores proyectos que sintamos aquí, en lo más hondo de los sentimientos y para eso, nada mejor que holgazanear —rió apenas, acariciándose el pecho—. No le temas a la vida, es algo muy agradable cuando se la sabe degustar —dijo ufano, palmeándole la rodilla.
(Fragmento de Quince Días, inédito de L. J. Gurmandí)

¡Felicidades buen amigo..!

2006-10-17T11:28:00.000-07:00

Hoy, el invento del lápiz cumple 246 años.

La murga transparente

2006-10-09T05:04:00.000-07:00

Un click y ahí nomás desaparecen. Es el corte de un blog. Lo estás mirando, lo estás leyendo y como quien no quiere la cosa, después de haber robado unas palabras de ese alguien que quien sabe donde está y donde vive, desaparece con el solo pulsar con la flechita en la cruz. Adiós momento, adiós soplo de amistad pasajera sin rostro y cargada de cosas por hacer y decir... Qué siniestro ¿cierto? Otro fleco en la soledad y las desilusiones cotidianas de este gran mundo de las comunicaciones incomunicadas. Estar con alguien y no estar sino solo por error en sus pensamientos y en sus ansias o anomalías. Verles desde una óptica de pantalla, sin aromas ni sentidos más drásticos que el observar, ser el voyeur de cualquiera; de quien sea; de cualquier día y cualquier hora y sin sentido; de cuando inquietos paseamos internet hallando casualmente a alguien practicando el solo afán de husmear en sus ideas, sus vidas o pensamientos sin preocuparnos si tiene fiebre, si es feliz o viste mal... Somos parte de la gran murga y eso es lo que no está uniendo en estos días hilvanando la tremenda desunión de nuestros días, donde nos suponemos "en contacto" con los demás... globalización, que le dicen ¡Jhá!

Matar un ruiseñor

2006-10-08T09:01:00.000-07:00

"Cuando nos dio nuestros rifles de aire, Atticus no nos enseño a disparar. Fue el tío Jack quien nos instruyó en sus principios, dijo que Atticus no estaba interesado en armas. Atticus le dijo a Jem un día, -Prefiero que disparen a las latas vacías en el patio trasero, pero se que ustedes van tras los pájaros. Dispara a todos los pájaros azules que quieras, si es que les puedes acertar, pero recuerda que es un pecado matar un ruiseñor-. Ese fue el único momento que escuché a Atticus decir que era un pecado hacer algo, y le pregunté a la señorita Maudie al respecto. -Tu padre tiene razón-, me dijo ella. Los ruiseñores no hacen otra cosa que crear música para que la disfrutemos. No se comen los jardines de la gente, no hacen nidos en los graneros, no hacen otra cosa que cantar su corazón para nosotros. Es por eso que es un pecado matar a un ruiseñor."
(Fragmento de Matar un ruiseñor, de Harper Lee)

De la creación...

2006-10-07T03:58:00.000-07:00

"El universo existe sin necesidad de su creación, por lo que cada individuo necesita crearlo. Lo que llamamos creación es en realidad un nuevo ordenamiento, que es tachado de caótico por los pesimistras y de revolucionario por los optimistas"
(Anónimo de lectura sobre la re-creación)

Re Evolución

2006-10-07T03:42:00.000-07:00

"Los jóvenes quieren hacer la revolución, sin haber leído antes"
(Salvador Dalí)

Paso filosófico

2006-10-02T04:07:00.000-07:00

"El punto exacto en que se pone en contacto con lo ignorado, queda al otro extremo del conocimiento..."
(Anónimo de lectura)

Piedras y números

2006-10-01T03:53:00.000-07:00

Pitágoras desarrolló el método de representar los números mediante agrupamientos de piedras en formas geométricas. La palabra "cálculo" significa "manejo de piedras"...
(Apunte de conocimiento)

Sobra la imaginación

2006-09-14T04:06:00.000-07:00

"La imaginación es inmediata, imaginar da mucha energía y activa los mecanismos de percepción selectiva que te llevan a que aquello sea más fácil que se produzca. Además, la fe tiene mucho que ver con la capacidad de anticipar el resultado"
(Anónimo de lectura)

Alegría

2006-09-09T03:56:00.000-07:00

"Subestimé la alegría, hasta que me di cuenta que no quedaba alternativa, debía salvarla del olvido"
(Anónimo de lectura)

Sin contagio

2006-09-07T03:55:00.000-07:00

"No por vivir cerca de algún famoso o intelectual reconocido hemos mejorado nuestros comportamientos ni somos siquiera la sombra del personaje. No mejora nuestra existencia ni es referente de nuestros comportamientos ni acciones"
(Anónimo de lectura)

Apunte

2006-09-02T12:00:00.000-07:00

No es necesario ser académico y producir sesenta cuadros al año; basta con hacer siquiera tres, pero que sean producto de esa necesidad de explosión que tenemos los que pintamos; los que sentimos esa sensación rara que requiere salida.
Para que la sociedad esté acorde con ésto y soporte las explosiones que tenemos los artistas, hay que crear un nuevo método de enseñanza hogareña. Pienso que hay que comenzar cuando el chico tiene tres años. Y si al chico le gusta trabajar con témpera, que siga con la témpera, que se saque el gusto; y si le gusta el óleo, que siga con eso. Hay que decirle: "rompé algo (en función creativa), agarrá una piedra y hacé algo con ella, avanzá". El niño que sea educado de este modo (productivo por sí mismo, por el tremendo placer de hacer sus propias cosas aún en el mayor sin sentido), cuando tenga cuarenta años, puede que sea un artista o puede que no lo sea, pero se ha expresado por lo tanto, va a ser una persona feliz.
(Fragmento del reportaje: "Mi forma de vida es el arte" - Argentina Seikyo - 1° de setiembre de 2006)